מוסיקה ליטורגית, המכונה גם מוזיקת כנסיות, מוסיקה שנכתבה לביצוע בטקס פולחן דתי. המונח קשור לרוב למסורת הנוצרית. מתוך התרגול המוזיקלי של בתי הכנסת היהודיים, שאיפשר לחזן שיר כריזמטי מאולתר, שירותי הנוצרים המוקדמים הכילו פזמון או התייחסות פשוטה שהושרה על ידי הקהילה. זה התפתח למזמרים המערביים השונים, שהאחרון שבהם, הגרגוריאני, הגיע לאפוגיו ברנסנס הקרולינגי. מהמאה העשירית צצו גם מספר עצום של מזמורים.
מוזיקה מערבית: מזמור ליטורגי מונופוני
עם שקיעתה של האימפריה הרומית, המוסד שנועד להנציח ולהרחיב את המורשת המוסיקלית של העת העתיקה היה הנוצרי
בתחילה הוגבלה הפוליפוניה (השילוב בו זמנית של שני גוונים או יותר או קווים מלודיים) למסיבות גדולות. הרכבי סולו של זמרים וירטואוזיים ליוו את העוגב או, אולי, כלי נגינה. בסביבות 1200 הגיע הסגנון הפוליפוני המוקדם לשיא באורגנות המרהיבות של מלחינים בבית הספר נוטרדאם ליונין ופרוטין.
במאה ה- 14 התרחשה ריבוי של טרופים מילוליים שהופקו באופן מקומי שהוקמו למוזיקה על ידי מלחינים מאומנים פחות או יותר, לעתים קרובות באופן הומופוני (אקורדי) פשוט יחסית. עם זאת, בחוגים צרפתיים הוחל האיזור קצב (שימוש בחזרות קצביות מורכבות) על המוטט וגם על חלקי המסה. התפאורות הפוליפוניות הראשונות של רגיל המיסה כתאריך שלם מאוחרים מהמאה הנוכחית.
מוזיקת הכנסייה המאוחרת של ימי הביניים הפכה באופן ישיר יותר לשיטה וביטוי. דקויות של קצב פינו את מקומן לתחושה חזקה לטונאליות, סדר וסימטריה. המוזיקה הליטורגית של גיום דופאי בורגונדי, ג'ון דאנסטבל וליונל פאוור באנגליה, ובני זמנם נכתבו לקפלות נסיכות וטקסי חצר ולא למנזר ולקתדרלה.
במהלך הרנסנס הוקם השימוש במקהלות קטנות ולא בסולנים למוזיקה פוליפונית. אף על פי שסגנון המקהלה א-קפלה (ללא ליווי) קשור לעידן זה, מקהלות הכנסיות היו מלוות לעיתים בכלי נגינה ועוגבים אחרים. ההולנדים יעקב אוברכט וז'אן ד'וקהם, שהחליפו על ידי Josquin des Prez המהוללים, הביאו בהירות וליריות לאמנות שלעתים נשענה לעבר הקודר. בדור הבא ג'ובאני פירלוייג'י דה פלסטרינה האיטלקי, אורלנדו די לאסו הפלמית, הספרדים תומאס לואיס דה ויקטוריה וכריסטובל דה מוראלס, והאנגלי וויליאם בירד סיפקו תרומות מצוינות.
הרנסנס היה עד גם לצמיחתה של מוזיקת איברים ליטורגית, ששימשה במקור כאשר לא הייתה מקהלה המסוגלת לשיר פוליפוניה. העוגב החלף הגדרות הרמוניות של מזמורי מישור, חזנות והמונים, עם פסוקים רגילים שהושרו על ידי המקהלה או על ידי הקהילה. עליית המנון הפסוק באנגליה ושל המוטט הבארוק באיטליה (ז'אנרים שכללו סולואים ווקאליים מורחבים) עוררו את יכולתו של האורגן לאלתר ליווי. בוונציה עשו אנדראה וג'ובאני גבריאלי וחסידיהם שימוש דרמטי בניגודים מרחביים ובכוחות מנוגדים של מיתרים, רוחות וקולות.
בגרמניה הייתה הקורלה, או ניגון המזמור, מרכיב חשוב במוטטים, מוזיקת אורגן, ומאוחר יותר קנטטות. היינריך שוץ, פרנץ טונדר ודיטריך בוקסטהודה הובילו את המוסיקה לתפוס את החשיבות הגדולה ביותר בשירותי הכנסייה, והגיעה לשיאה במוזיקה הליטורגית של ג'יי-באך.
בעידן הקלאסי המשיכו להיכתב המנונים, מוטות והמונים - לרוב באיכות שגרתית. המלחינים הגדולים של התקופה הציבו לעיתים טקסטים ליטורגיים עם מחשבה על אולם הקונצרטים ולא על הכנסייה. ההמונים המהדהדים, הסוערים והכוונתיים של ג'וזף היידן ושאר המאסטרים הווינאים המוקדמים נותרו תוצר מקומי.
ההמונים של לודוויג ואן בטהובן, פרנץ שוברט ואנטון ברוקנר, המוטוטים של גיוצ'ינו רוסיני וג'והנס ברהמס, מוזיקת האורגן של סזר פרנק ומקס רגר, והדרישות של הקטור ברליוז וג'וזפה ורדי שייכים להתפתחות המגוונת ביותר של הכנסייה מוזיקה במאה ה -19. ניסיון להחיות את סגנון המאה ה -16 גרר כמה מלחינים של מוסיקה כנסייתית מהעוינות הרומנטית הקודמת. במאה ה -20 מלחינים כמו ראלף ווהן וויליאמס, וויליאם וולטון, בנג'מין בריטן, אוליבייה מסיאן, פרנסיס פולנצ'ק, איגור סטרווינסקי וקשישטוף פנדרצקי עזרו להראות נתיבים חדשים לצורות העתיקות.
